Entrevista con Secun de la Rosa

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El público del teatro Lara aplaude la impecable actuación de Secun de la Rosa en la obra Guillermito y los niños ¡A comer! La sonrisa de Guillermito y su carisma hacen que el espectador se familiarice con el personaje y se enamore de él. No menos agradable es el propio actor al que espero después de su función. Son las últimas horas del día pero me atiende lleno de energía, sonriente y muy amable. Feliz e ilusionado por su trabajo me pregunta¿Te ha gustado? Mucho- contesto yo- no he parado de reír. Entramos en calor con una cañita por medio y comenzamos una conversación tranquila e interesante sobre su obra, su carrera, el cine y el teatro.

Has hecho antes monólogos en televisión y mucho teatro pero en esta obra estás solo en el escenario. ¿Tuviste mucho miedo?

Me da pánico todavía- contesta rotundamente- porque es una responsabilidad enorme. Lo que me da más miedo es que  aquí no se me puede escapar ninguna parte de mí, como puedo hacer en un monólogo en la tele o dentro de una obra. No puedo ser Secun tengo que ser Guillermito. Había que defender mucho al personaje y primero tenía que entenderlo muy bien. Era complicado porque la obra también tiene una parte seria, y para que funcionara había que tomarse en serio toda la obra y luego añadirle la comedia. La referencia es el viaje de ese niño, y hay momentos que son de comedia pero a la vez son muy tiernos, casi te diría agridulces o tristes.

La verdad es que durante la obra el público conoce a un personaje tierno y entrañable. ¿Te han enseñado algo Guillermito?

Me está enseñando cosas aunque pensaba que no, porque no soy de los que dice que de cada personaje te quedas con algo. Creo que aprendes como actor. Con esta obra he reforzado mucho la narrativa. Tengo que estar muy pendiente de que no se me escape nada porque si el texto se pierde, el público se pierde conmigo. Es un viaje casi psicoanalítico. Es fascinante que la gente entre en el código porque tiene que imaginarse conmigo lo que ocurre. Ver a un niño en vez de a un señor como yo ¡Qué ya no soy un veinteañero! Además ver como el actor hace de otros personajes, habla con otros personajes… Pero la gente entra y eso es lo bonito.

Pasamos de Guillermito a Secun. Viniste muy joven a Madrid teniendo claro que querías ser actor ¿Cómo fueron esos comienzos en Cristina Rota?

Bueno mi familia no tenía nada que ver con el mundo del espectáculo. Éramos de  un barrio de Barcelona y a mí me dio el punto de ser actor. Cuando empecé en Cristina Rota me tocó  una época maravillosa. A mitad de los 90 por misterios de la vida acabamos allí Alberto San Juan, Natali Poza, Pilar Castro, Tejero…Y claro todos aún desconocidos… Nuestra ambición era hacer teatro. Hacíamos sketches en garitos y desde ahí fueron naciendo grupos y compañías como Animalario o mi compañía Radio Rara. Se creó una buena energía y como  habíamos crecido sin ser carne de casting, nos  gustaba inventar y arriesgar.

Pero además de ser actor has escrito muchos guiones y has dirigido. El último, el guión del cabaret The Hole ¿No?

Sí. A mí la escritura me apasiona, ya llevo escribiendo desde hace 10 años. Lo de The Hole surgió porque hace dos años había escrito la gala de los premios Max. Me llamaron los de Yllana y fue muy graciosa. Contamos con  lo más transgresor, con Leo Bassi, Sexpeare…Y a partir de ahí cuando a Yllana le propusieron lo del cabaret  me llamaron para escribirlo y a Paco León por otro lado, para ser la imagen.

Lobos de Arga es la última película que has hecho, ha recibido muy buenas críticas en Sitges y en el festival de terror de San Sebastián ¿Cuándo la podemos ver?

Sí, se ha estrenado en festivales y estoy sorprendido porque la han comprado franceses, italianos… Pero el estreno oficial aún no lo han fijado.  Las pelis de terror se venden muy bien en el extranjero. La industria del cine está muy mal y les viene muy bien hacer una ronda de festivales, cuando lo vean oportuno se hará el estreno oficial.

La película es de terror pero con mucha comedia con Carlos Areces y Gorka Otxoa al lado. La mayoría de los papeles que haces son cómicos pero también has hecho personajes más serios ¿Te gusta más la comedia que el drama o te ha venido así?

Me ha venido así y yo me imagino que tengo una personalidad que se acopla mejor a la comedía o que levanto más una sonrisa que una especie de densidad. Pero no lo sé, porque también he hecho drama y me encanta.  Incluso me siento más cómodo en la tragedia,  porque con el drama lo que haces es ponerte en contacto con los sentimientos del personaje mientras que en la comedia, como no digas la frase en el momento justo, el tempo,  la subida o bajada necesaria, no hay risa. Creo que la comedia es difícil porque hay que encontrar el punto, pero me gustan los dos.

Hablemos un poco del cine español. Hay gente que no ve películas solo porque son españolas. ¿Por qué crees que está tan mal valorado?

Siempre he amado el cine español. Cuando era adolescente, me pegaba, ¿eh? -dice con rabia – No soportaba coger una peli del videoclub y que mi colega me dijera ¿Pero por qué coges españoladas? Me daba rabia porque si tú eres español ¿Qué concepto es el de españolada? Te degradas a ti mismo y es un poco ridículo. Me encanta el cine y creo que hay cineastas brutales. Por otro lado se puede decir que el cine español sufre mucho al asociarlo con unas ideas políticas determinadas. Se tacha de rojo o de izquierdas y te quitas el 50% de la audiencia. Y es un poco rollo lo de izquierda, derecha, derecha izquierda…

 

¿Y el tema de las subvenciones?

La gente también está quemada  con ese tema porque que las subvenciones se asocian con cine o cultura y critican esto.  Al amparo de eso, es verdad que hay mucho vividor al que no le importa la taquilla, porque si la película se la han pagado que más les da ¿No? Pero también hay gente muy trabajadora y muy honesta, y me cuesta soltar un pellizco en contra de eso. Puedo intentar entender a la gente que menosprecia el cine español y pienso que puede que en alguna ocasión se haya olvidado al público. Me encanta ver como en otros países aman su cine y aquí parece que es fácil hacer una película y no es así.

Si hablamos del teatro, a pesar de la crisis la gente sigue yendo a las salas e incluso se llenan más que antes. Pero por otro lado se están limitando las subvenciones y cierran teatros y compañías ¿Qué falla?

 Es complicado. Pienso que es necesario ayudar al arte y ayudar a la cultura,  creo que es algo que no tendría ni que planteárselo una sociedad, porque la cultura es lo que nos hace crecer como pueblo y eso no puede desaparecer. También entiendo que hay muchas salas pequeñas, que han tenido una subvención para mantenerla en pie, pero sin tener en cuenta al público.  Y yo he trabajado mucho en salas independientes. Es un tema espinoso, habría que fijar unos criterios, elegir las mejores obras y llenar las salas por la calidad. No basta con la subvención. Y hay mucho jaleo porque si lo dices parece que atentas y no es así.

¿Crees que se promociona lo suficiente el teatro?

Aunque haya una gran crisis vivimos un momento muy bueno del teatro.  Ahora veo el Lara lleno un jueves, por ejemplo, y eso antes era más difícil. También hace años no había  el concepto de musical en España y ahora se ha implantado. Esto ha traído un público nuevo que puede repetir viendo otro tipo de obras. Otros critican que muchos actores de la tele acaban haciendo teatro ahora, no todos los de la tele pueden servir para teatro, pero eso puede ayudar a que la gente repita y vea otras cosas…

 Después de Guillermito ¿ Te irás de vacaciones o ya tienes algún proyecto?

 ¡Guillermito me ha traído mucha suerte! Vino a ver la obra Will Keen, un director y actor británico de teatro, especialista en Shakespeare .El año pasado  hizo Traición de Harold Pinter en el Teatro Español. Se ha quedado enamorado de España y ahora va a montar Hamlet en castellano. Me ha dicho que quiere que sea Horacio o  Rosencrantz. Estoy muy contento porque va a ser mi primer Shakespeare.

Me encuentro con un Secun de la Rosa espontáneo y cariñoso. Mucho trabajo a sus espaldas y empeño por conseguirlo todo por el mismo. Esfuerzo, ambición e ilusión lo caracterizan. Se le ve feliz con lo que hace y demuestra que es un gran actor. Desde LaMasBelladelasMentiras esperamos que siga haciendo reír al público con Guillermito y que esté presente en el teatro durante muchos años más.

Paola García

Guillermito y los niños ¡ A comer! Información general

Con la frase “¡Guillermito y los niños, a comer!” su madre le ha etiquetado sin darse cuenta: él es totalmente diferente a sus hermanos. Pero si no es un niño, ¿entonces qué es? Una de sus tías parece tenerlo claro… “Hablas y te mueves como tu madre”.

Guillermito y los niños, ¡a comer! es la obra que os proponemos esta semana. Guillermito emprende un  divertido pero heroico viaje desde su infancia hasta su madurez. Una curiosa historia sobre la sexualidad y las preguntas que un niño puede llegar a hacerse cuando su familia lo etiqueta sin que él lo sepa. Un monólogo introspectivo que invita a la reflexión pero con mucha comedia.  Su texto escrito por Guillaume Gallienne obtuvo el Premio Moliére 2010 al espectáculo revelación y ha sido adaptado por Julián Quintanilla. El resultado ha sido un éxito, porque como escriben algunos críticos como Javier Vallejo (El País) “el adaptador lo ha traído a España con buen criterio y mejor tino, y Secun de la Rosa ha acabado de naturalizarlo: ambos lo hacen eternamente suyo”.

Secun de la Rosa protagoniza a este entrañable y valiente personaje dotado de inocencia e ingenuidad. Nos lleva con él para acompañarlo en este apasionante viaje y descubrir quién es el verdadero Guillermito.

SINÓPSIS:

Cuando a Guillermito su madre le diferencia de sus hermanos con la frase a voz en grito “¡Guillermito y los niños, a comer!”, él no puede evitar perderse en una maraña de preguntas: ¿No soy yo entonces un niño? ¿Si no soy un niño, qué es lo que soy? En busca de todas las respuestas, Guillermito emprende un viaje a la edad adulta repleto de situaciones tan explosivas como desternillantes, cuyo inaudito final a todos sorprenderá.

Autor:Guillaume Gallienne

Director: Julián Quintanilla

Intérprete: Secun de la Rosa

Teatro: Lara. Corredera de San Pablo, 15

Desde el 21 de enero hasta el 31 de marzo

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Venta de entradas: entradas.com/ ticketea.com/ El Corte Inglés

Cristina Rota, el arte de interpretar

AndreaCaña

Como tantas y tantas veces hemos hablado, a la más bella de las mentiras le interesa el teatro desde todas sus dimensiones. Una de ellas es la escuela de formación de nuestros actores. Irene Escolar y José coronado, protagonistas de la obra que esta semana nos atañe, asistieron a la escuela de Cristina Rota. Allí aprendieron su profesión: el arte interpretativo.

Actriz, productora y profesora de arte dramático, Cristina Rota funda en 1978 su escuela de Interpretación. ¿El objetivo? “Crear un centro donde el actor obtenga una formación integral que le permita generar su propio trabajo, sabiendo abarcar todos los aspectos de la actividad teatral  (gestión, promoción, cuestiones técnicas, dirección,  dramaturgia e interpretación)”.

Recta, constante y perseverante Cristina se propuso hace ya algunos años formar auténticos profesionales y parece haberlo logrado. Actores y actrices muy conocidos del panorama nacional e internacional han aprendido a interpretar siguiendo las directrices de la argentina. Penélope Cruz, Fernando Tejero, Ernesto Alterio o Guillermo Toledo son algunos de los ejemplos.  

Más tarde surgirá un proyecto cultural, si cabe, más ambicioso: El Centro de Nuevos Creadores: Nuestro objetivo es un centro integral en el que la formación, la investigación, la producción y la difusión estén estrechamente entrelazadas y favorezcan el surgimiento de una nueva generación de actores, bailarines, dramaturgos, coreógrafos, directores y gestores, todos ellos comprometidos con la función social y creadora del arte, y que conozcan en profundidad la totalidad del fenómeno escénico”.

La argentina se propuso hace ya algún tiempo hacer del teatro lo que por definición es: un arte. Hoy por hoy parece haberlo conseguido.

  Si quieres conocer un poquito más de Cristina no te pierdas el encuentro digital que Cristina tuvo en el mundo.es

Nos despedimos con las palabras de esta gran maestra: “el arte creativo no es una profesión, es una vocación, una llamada, una imprescindible necesidad de agitar, movilizar, mejorar, elevar y dinamizar, con pensamiento, concepto, coraje y pasión para contestar a esa llamada”.

¡Y que viva la auténtica interpretación!

Conoce a… la auténtica Irene Escolar

AndreaCaña

Ya sabemos que Irene es una gran actriz, pero ¿quién es realmente Irene Escolar? ¿Qué sabemos de ella? Pues bien, Irene es una persona cercana, una persona sencilla. Confiesa adorar su profesión y ser una gran amante de su trabajo. No quiere ser una actriz de masas, le basta con dedicarse a “la profesión más bonita del mundo”. 

Educada, sensible y atenta  nuestra actriz no es de las que presume. Ni alardea de haber trabajado con actores de la talla de Vicente Aranda, ni de que entre sus grandes amigas y confidentes se encuentre Maribel Verdú o de mantener una relación amorosa con Martin Rivas, uno de los actores más deseados del panorama internacional. Y con ello demuestra ser toda una profesional.

Nieta de la célebre actriz Irene Gutiérrez Caba y perteneciente a una familia con gran tradición en la escena, la madrileña reconoce el compromiso que esto supone: “La responsabilidad recae ahora en mis hombros, pero yo ahora tan sólo soy una joven promesa, como el resto de la juventud. Prometemos por nuestra edad. Así que haré lo que buenamente pueda”. Constante y trabajadora, la más bella de las mentiras no tiene ninguna duda, Irene no defrauda.

El pasado 2 de mayo “El ojo crítico” entrevistó a e la actriz. Allí Irene se definió como actriz y como persona y habló un poquito de la obra que esta semana nos atañe. Os hemos adelantado un poquito quién es Irene, pero, como siempre, preferimos que sea ella quien os lo cuente. No os decimos más, deléitense con Irene Escolar.

Entrevista El ojo crítico- Irene Escolar

Oleanna. Irene Escolar y José Coronado

María Cappa

 Ayer os hablaba de la magia de la obra de David Mamet. De la capacidad que tiene para ayudarnos a reflexionar; de la facilidad con la que engancha al espectador y lo involucra en la historia; de cómo gracias a esto, este incluso se posiciona a favor de uno de los personajes. Es verdad que el mejor actor de teatro sería incapaz de llenarle el alma al público sin un texto que lo sostuviera. Pero también es cierto que son los actores quienes terminan de encumbrar o soterrar una pieza teatral.

Irene Escolar y José Coronado son los encargados de enfatizar los aciertos del dramaturgo estadounidense. La experiencia de Coronado se pone al servicio de la frescura y la permeabilidad de Escolar y entre ambos crean ese “algo” maravilloso que constituye la esencia del teatro. Darío Fo decía que la improvisación solo es posible cuando el actor domina la técnica. Creo que se puede aplicar a la sensación de generar un diálogo espontáneo. Ambos actores tienen el texto integrado en sus formas, en sus hábitos, en sus gestos; y esto solo puede darse cuando se ha trabajado exhaustivamente el texto, la relación entre los personajes y entre los actores.

Pero en todo artista hay un componente de talento innato. La técnica  ayuda a mejorar, a pulir, a perfeccionar una capacidad con la que se nace. José Coronado ha ido mejorando con el paso del tiempo. Ha pasado de ser un buen actor a un gran actor. Irene Escolar domina el lenguaje corporal, las micro-expresiones y una cualidad que es muy complicada de interpretar: la contención. Si un actor no es capaz de expresar contención con habilidad puede irse a los extremos: el histrionismo o la inexpresión. Y la gran virtud de Irene Escolar es el dominio de comunicar en su justa medida lo que quiere pero no puede o no debe. Os voy a tentar con una producción del Teatro Español a modo de trailer de la obra. Porque el arte no se explica; se siente.

Oleanna. Crítica.

María Cappa

¿Os acordáis de la película El club de los poetas muertos? Una institución rígida, sujeta a normas que impiden cuestionar, reflexionar y por tanto pensar. Un profesor más interesado en ayudar a crecer intelectual y personalmente a sus alumnos que en someterlos al tedioso e inútil proceso de engullir información que después poder vomitar. Un suicidio. Un despido… Y de vuelta a las normas, a lo establecido, al empacho de datos en detrimento del alimento de neuronas.

La incomunicación

En la sinopsis de Oleanna la trama que se presenta es simple: la lucha de poder entre un profesor universitario y una de sus alumnas. No me voy a cansar de repetir que a partir de un planteamiento sencillo es de donde los grandes autores teatrales han extraído sus obras de arte. El motivo es claro: la vida está llena de situaciones irrelevantes y tan solo nos ofrece dos o tres momentos trascendentales. Y solo desde la realidad podemos llegar a conocer la realidad. La sinopsis también habla de un subtexto, un mensaje que hay que descifrar y que se desprende de lo que no se ve pero está ahí. En este caso la incomunicación.

Después de ver la obra tengo que discrepar. El hilo que motiva, sostiene, y conduce al desenlace de Oleanna es la lucha entre la posibilidad de tener un pensamiento libre y la incapacidad y el miedo que supone enfrentarse al hecho de lo complicado que resulta atreverse a pensar. Un profesor que motiva, incentiva y fomenta la reflexión, que siempre conlleva esfuerzo y un cuestionamiento de las estructuras que los arquitectos de nuestra educación nos construyen en el cerebro. Una alumna ignorante, aferrada a las normas, aterrada por atisbar la posibilidad de tener que usar la cabeza y sobre todo de tener que reinventarse constantemente al enfrentarse a la vida.

Ni se me pasa por la cabeza desvelar el final. La realidad, la experiencia pasada, siempre tiene la respuesta de lo que vendrá en el futuro. En lo que sí que me voy a esmerar es en incentivaros a que vayáis al Teatro Español a verla. Porque es necesario pararse a reflexionar. Porque resulta placentero sentarse a ver una obra de arte que toma vida y te contagia de emociones ajenas que asumes como propias. Por lo imprescindible que es para el ser humano darse cuenta de lo peligrosa que puede llegar a ser una persona ignorante. Porque no hay mentira más cruel que aquella que te trata de convencer de que la verdad está sujeta a normas que habitualmente han inventado cuatro. Y sobre todo porque de vez en cuando conviene recordar que pensar por ti mismo es lo único que te puede salvar de la peor de las condenas: la estupidez.

David Mammet

Paola García

David Mamet es un reconocido dramaturgo, director y guionista estadounidense. Estudió teatro en Nueva York influenciado por el método de interpretación de Stanislavski. Al hacer un ejercicio de interpretación interpretación que los estudiantes realizan para el mundo interior del personaje, Mamet creó una sintaxis fascinante compuesta por pensamientos medio expresados y rápidos cambios de humor para sus guiones. Muchas de sus obras han sido estrenadas porla Saint NicholasTheater Company de Chicago, de la cual fue miembro fundador y director artístico. Trabajó como actor y como profesor de interpretación (en el Marlboro College de Vermont), además de realizar trabajos ocasionales como taxista o como director de una inmobiliaria.

Su teatro se caracteriza por el uso del  lenguaje coloquial, que le sirve para transgredir los planteamientos meramente realistas. Los personajes suelen ser  gente corriente o  marginados, y conjuga humor y dramatismo en los argumentos. Su estilo dramático refleja el comportamiento desarticulado y violento de la clase media-baja.

Poético, repetitivamente escatológico, cómicamente fragmentario, y a menudo chocante, la utilización del lenguaje que hace Mamet ha sido comparada con Aristófanes, Ernest Hemingway, Samuel Beckett y Harold Pinter. Sus obras provocan en el espectador una reflexión sobre el mal como algo inseparable del corazón humano.

Published in: on 09/05/2011 at 9:15 pm  Dejar un comentario  

Oleanna. Una obra intimista y polémica

Paola García

 La obra que os proponemos esta semana es Oleanna, una nueva producción del Teatro  Español para su Sala Pequeña. Escrita por David Mamet, dirigida por Manuel de Benito y protagonizada por José Coronado e Irene Escolar. Oleanna fue escrita en 1990 y se estrenó, con dirección del propio Mamet, en 1992, entre una gran controversia.

El Teatro Español presenta Oleanna una nueva producción para su Sala Pequeña. Esta obra de David Mamet que se estrenó en 1992,  está dirigida por Manuel de Benito y protagonizada por Jose Coronado e Irene Escolar.

“Oleanna”, se convirtió enseguida en una de las tragedias más controvertidas de David Mamet por el eco social que alcanzó. También es uno de los textos de los que él se siente más orgulloso, (junto con El criptograma, American Buffalo y The Woods). Sirviéndose de un supuesto conflicto de acoso sexual entre un profesor y su alumna, el autor plantea la lucha de intereses que enfrenta a dos personajes y que le sirve para deslizar otros temas: qué valor damos a la educación, cómo el lenguaje puede ponerse insospechadamente del lado de la mentira y cómo se instrumentalizan los hechos en aras de esa ética de “lo políticamente correcto”.

La obra se estrenó en 1992. Coincidió con una causa que tenía lugar en los tribunales: la denuncia contra el juez Clarence Thomas, candidato al Tribunal Supremo de los Estados Unidos, por acoso sexual a una profesora universitaria. Y como cabe esperar, el texto no gustó al lobby feminista norteamericano, que acusó al autor de misógino y machista.

José Coronado e Irene Escolar se moverán en este cara a cara interpretativo en un espacio muy íntimo por la escasa distancia entre actores y público, situado en sendas gradas a cada lado del escenario, que reproduce el despacho de un profesor universitario de cualquier universidad

SINOPSIS

Información general

Se trata de uno de los textos claves de la década de los 90, conocido en Madrid gracias al estreno de Santiago Ramos (sustituido más tarde por Joaquín Kremel) y Blanca Portillo, con dirección de José Pascual. Oleanna presenta la extraña y cambiante relación entre un profesor universitario y una alumna, que en el curso de seis meses pasa de un encuentro académico más a una lucha de poderes y una acusación de violación. A través de esa lucha de poder, Mamet aborda cuestiones como el acceso universal a la educación universitaria, el lenguaje políticamente incorrecto o las políticas de género existentes en las instituciones públicas.

Published in: on 08/05/2011 at 9:14 pm  Dejar un comentario  
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Talento Argentino…

AndreaCaña

Los actores argentinos arrasan en el teatro y el cine español. ¿El motivo? Tal vez su encantador acento, quizás los vaivenes del mercado… La solución es mucho más simple: según un artículo publicado por el diario EL MUNDO la clave es la siguiente: “sólida formación teatral, gran capacidad de trabajo (‘En Argentina un actor sabe que su formación acaba a los 70 años, el día en que interpreta al Rey Lear o a Próspero, y no antes’, dice el director y profesor Fernando Piernas), y algo tan intangible como el talento para seducir a la cámara.”

Esta vez no seremos nosotras quienes juzguen, seréis vosotros mismos. “La más bella de las mentiras” te trae hoy a algunos de los argentinos más importantes del panorama español. Siéntate y disfruta. Hoy serás tú quien opine.

RICARDO DARÍN

Actor, director y guionista arquentina que ha destacado por sus interpretaciones en películas como Nueve Reinas, El hijo de la novia, Luna de Avellaneda, o El secreto de sus ojos (ganadora de un Óscar a la mejor película extranjera) y Carancho, entre otras.

ERNESTO ALTERIO

Actor argentino, hijo del más que conocido Héctor Alterio, al que dedicamos algunas entradas anteriores. Conocido por películas como “El otro lado de la cama”, “Lluvia”, “Incautos” o “Días de fútbol”.

MIGUEL ÁNGEL SOLÁ

Ya hablamos de él hace un par de semanas, cuando comentamos la obra “Por el placer de volver a verla”. Aún así les recordaremos Miguel Ángel es un prolífico y multipremiado actor de teatro y cine argentino de notoriedad internacional.

LEONARDO SBARAGLIA

Uno de los actores más importantes de la cinematografia argentina e hispanoamericana. Se estrena en España con la película “Plata Quemada”, con Eduardo Noriega. Ha recibido además un Goya como mejor autor revelación por su película “Intacto”. Actualmente compagina su actividad profesional entre España y su país natal.

La triología de un genio

AndreaCaña

“Tercer Cuerpo” no es la única obra del actor y director argentino. Tolcachir lleva a las naves del teatro español su famosa triología (de la que forma parte la obra que tratamos esta semana). El pasado 6 de abril abría el programa “La omisión de la familia Coleman”. El 27 de abril se daba paso a “Tercer Cuerpo”, de la que podremos disfrutar hasta el 15 de mayo. Cierra esta magnífica saga “El viento en el violín”, obra que se estrenará el próximo 18 de mayo y cuyo pase final tendrá lugar el 5 de junio.

Sobre “Tercer Cuerpo” lo hemos contado casi todo. Os damos ahora algunos datos de interés sobre resto de obras (esperamos que os pique el gusanillo y os acerquéis a verlas):

La omisión de la familia Coleman

Una familia desquiciada que se ve obligada a vivir en la más absurda de las coexistencias. Una familia absolutamente disfuncional en la que lo roles se confunden ¿Quién es quién? Sin embargo el problema no es el dinero, no es la situación económica lo que les ha llevado a este estado, sino cierto olvido. Lo que ha olvidado la familia Coleman con las consecuencias positivas que supone estar juntos, han olvidado lo que es dar y lo que es recibir. Una familia que funciona como reflejo de muchas sociedades.

Fue la primera obra de Tolcachir como autor. “Todo empezó por el deseo de trabajar con este grupo de actores a los que conocía desde hacía años”, rememora el autor. “Tenía estos personajes en la cabeza, esa madre, esa abuela, esos hermanos, pero no tenía nada escrito. Es como si uno se preguntara qué pasaría si cada miembro de una familia dejara de cumplir su rol, qué pasaría si la madre pasara a ser hija de sus hijos en una familia donde no hay padre, donde la abuela equilibra todo mientras puede, con unos hijos que quieren mudarse pero que nunca terminan de irse. Son cosas tristes y violentas a veces, pero al mismo tiempo muy absurdo y lleno de humor. De lo contrario, serían insoportables. Son personajes incapaces, inmaduros, que no pueden tomar las riendas de sus propias vidas. El absurdo es la cotidianidad de lo imposible, porque en el fondo para ellos todo esto es lo normal”

El viento en un violín

Tolcachir sigue explorando las relaciones sociales. Al preguntar al director argentino por el tema de la obra nos dice  “Mujeres que se aman, buscando desesperadamente un hijo. Madres con hijos, desesperadas por asegurarles la felicidad. Hijos desorientados, desesperados por encontrar su lugar. Historias de seres ricos y pobres buscándose la vida. Y el amor que lo atraviesa todo, que todo lo permite, lo bueno y lo malo. El amor de pensar la vida de otra forma y aceptarla tal vez, en nombre del amor”.

Esto es señores el auténtico teatro. Bienvenidos al maravilloso mundo de “La más bella de las mentiras”.

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