Oleanna. Irene Escolar y José Coronado

María Cappa

 Ayer os hablaba de la magia de la obra de David Mamet. De la capacidad que tiene para ayudarnos a reflexionar; de la facilidad con la que engancha al espectador y lo involucra en la historia; de cómo gracias a esto, este incluso se posiciona a favor de uno de los personajes. Es verdad que el mejor actor de teatro sería incapaz de llenarle el alma al público sin un texto que lo sostuviera. Pero también es cierto que son los actores quienes terminan de encumbrar o soterrar una pieza teatral.

Irene Escolar y José Coronado son los encargados de enfatizar los aciertos del dramaturgo estadounidense. La experiencia de Coronado se pone al servicio de la frescura y la permeabilidad de Escolar y entre ambos crean ese “algo” maravilloso que constituye la esencia del teatro. Darío Fo decía que la improvisación solo es posible cuando el actor domina la técnica. Creo que se puede aplicar a la sensación de generar un diálogo espontáneo. Ambos actores tienen el texto integrado en sus formas, en sus hábitos, en sus gestos; y esto solo puede darse cuando se ha trabajado exhaustivamente el texto, la relación entre los personajes y entre los actores.

Pero en todo artista hay un componente de talento innato. La técnica  ayuda a mejorar, a pulir, a perfeccionar una capacidad con la que se nace. José Coronado ha ido mejorando con el paso del tiempo. Ha pasado de ser un buen actor a un gran actor. Irene Escolar domina el lenguaje corporal, las micro-expresiones y una cualidad que es muy complicada de interpretar: la contención. Si un actor no es capaz de expresar contención con habilidad puede irse a los extremos: el histrionismo o la inexpresión. Y la gran virtud de Irene Escolar es el dominio de comunicar en su justa medida lo que quiere pero no puede o no debe. Os voy a tentar con una producción del Teatro Español a modo de trailer de la obra. Porque el arte no se explica; se siente.

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Oleanna. Crítica.

María Cappa

¿Os acordáis de la película El club de los poetas muertos? Una institución rígida, sujeta a normas que impiden cuestionar, reflexionar y por tanto pensar. Un profesor más interesado en ayudar a crecer intelectual y personalmente a sus alumnos que en someterlos al tedioso e inútil proceso de engullir información que después poder vomitar. Un suicidio. Un despido… Y de vuelta a las normas, a lo establecido, al empacho de datos en detrimento del alimento de neuronas.

La incomunicación

En la sinopsis de Oleanna la trama que se presenta es simple: la lucha de poder entre un profesor universitario y una de sus alumnas. No me voy a cansar de repetir que a partir de un planteamiento sencillo es de donde los grandes autores teatrales han extraído sus obras de arte. El motivo es claro: la vida está llena de situaciones irrelevantes y tan solo nos ofrece dos o tres momentos trascendentales. Y solo desde la realidad podemos llegar a conocer la realidad. La sinopsis también habla de un subtexto, un mensaje que hay que descifrar y que se desprende de lo que no se ve pero está ahí. En este caso la incomunicación.

Después de ver la obra tengo que discrepar. El hilo que motiva, sostiene, y conduce al desenlace de Oleanna es la lucha entre la posibilidad de tener un pensamiento libre y la incapacidad y el miedo que supone enfrentarse al hecho de lo complicado que resulta atreverse a pensar. Un profesor que motiva, incentiva y fomenta la reflexión, que siempre conlleva esfuerzo y un cuestionamiento de las estructuras que los arquitectos de nuestra educación nos construyen en el cerebro. Una alumna ignorante, aferrada a las normas, aterrada por atisbar la posibilidad de tener que usar la cabeza y sobre todo de tener que reinventarse constantemente al enfrentarse a la vida.

Ni se me pasa por la cabeza desvelar el final. La realidad, la experiencia pasada, siempre tiene la respuesta de lo que vendrá en el futuro. En lo que sí que me voy a esmerar es en incentivaros a que vayáis al Teatro Español a verla. Porque es necesario pararse a reflexionar. Porque resulta placentero sentarse a ver una obra de arte que toma vida y te contagia de emociones ajenas que asumes como propias. Por lo imprescindible que es para el ser humano darse cuenta de lo peligrosa que puede llegar a ser una persona ignorante. Porque no hay mentira más cruel que aquella que te trata de convencer de que la verdad está sujeta a normas que habitualmente han inventado cuatro. Y sobre todo porque de vez en cuando conviene recordar que pensar por ti mismo es lo único que te puede salvar de la peor de las condenas: la estupidez.

Teatro Naves del Matadero. Madrid

Paola García

Seguimos descubriendo nuevos lugares interesantes en los que se representan las obras que os proponemos. Esta semana le toca el turno a Matadero Madrid, el antiguo matadero municipal de Madrid se ha transformado en un nuevo centro de creación contemporánea. Un espacio vivo y cambiante al servicio de los procesos creativos, de la formación artística y del diálogo entre las artes. Su objetivo: contribuir a la reflexión sobre el entorno sociocultural y apoyar los procesos de la cultura del presente y del futuro.

Se encuentra en uno de los enclaves más significativos de la arquitectura industrial madrileña de comienzos del siglo XX, se proyecta como el mayor centro para la creación contemporánea de Madrid, y uno de los más destacados espacios internacionales dedicados a la creación actual.Matadero Madrid está promovido por  el Ayuntamiento  a través del Área de las Artes, en colaboración con otras entidades públicas y privadas.

Mientras se avanza en la recuperación de sus 148.300 m2, Matadero Madrid continúa intensificando su actividad artística: las artes escénicas, las artes visuales, el diseño, la música, la danza, la arquitectura, el urbanismo, el paisajismo, la moda, la literatura, el pensamiento y el cine.

Un laboratorio único para la experimentación y construcción de nuevas fórmulas transdisciplinares, un espacio bien aprovechado para contribuir al desarrollo de la cultura en la capital que nos recuerda a los ya existentes en centroeuropa.

Réplika Teatro

Paola García

Réplika Teatro no es solo un teatro, sino que hemos descubierto que se trata de un espacio diferente. Abierto a toda creación, nos encontramos con un teatro limitado por una caja escénica “a la italiana”, contemporáneo y multifuncional, con una configuración cambiante al servicio de las necesidades artísticas de cada obra representada sin adornos innecesarios. Los que forman este interesante espacio parten de “la desnudez, para llegar a la esencia, a lo imprescindible para encender la imaginación del espectador”. El actor es el verdadero dueño de ese espacio que comparte con el que viene a verle. El que viene ha de tener la oportunidad de vivir un momento excepcional, diferente a lo que está acostumbrado.

Es un centro de producción, exhibición, formación e investigación teatral fundado por Socorro Anadón y Jaroslaw Bielski. Su investigación teatral se plasma en los montajes de su propia compañía, Coa. Réplika Teatro desde 1989.

Además en 1996 crearon la Academia de Actor, un centro donde forman a actores que imparten diversas técnicas de interpretación y otras disciplinas relacionadas directamente con el arte de la actuación.

Su sala de teatro es un lugar abierto a otros proyectos de creación artística, por lo que dejan abierta una posibilidad de alquiler para ensayos, talleres u otras actividades. En definitiva, un espacio interesante y atractivo tanto para el público como para el actor.

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